Llegamos a una nueva estación de #CreadoresConFuturo, serie audiovisual de Revista El Duende y Metro de Madrid dedicada a quienes están dando forma al Madrid del mañana. Koral Antolín convierte cada pieza en un mapa sensible del movimiento, la identidad y los caminos que nos forman. Su universo, delicado y táctil, invita a mirar despacio y a dejarse llevar.
Hemos partido desde el Círculo de Bellas Artes. ¿Qué relación tiene este lugar contigo?
Tiempo después de terminar la carrera de Bellas Artes, fui de nuevo al Círculo porque echaba mucho de menos dibujar. El tener unos modelos al natural donde poder disfrutar de una pose, de sus proporciones, de plasmarlo de nuevo y de jugar, experimentar jugando y dibujando. Me especialicé en dibujo. La verdad es que cuando entré en la carrera no era la especialidad que más me llamaba la atención, me llamaba más la atención pintura. Supongo que es lo que más se conoce de Bellas Artes. Pero a medida que fui entrando y fui conociendo más todo lo que era el lenguaje de dibujo me fui enamorando de la forma, de la expresión, de los materiales… El carboncillo, por ejemplo, es uno de mis materiales favoritos por la plasticidad que tiene, el polvo oscuro… Y recuerdo que fue un antes y un después cuando vi un cartón preparatorio para un cuadro de Da Vinci en Londres, con partes acabadas y otras inacabadas. Me emocionó muchísimo y empecé a ver los cuadros y todo lo que era el dibujo de una forma diferente. Y me cuestionaba por qué no había esa soltura que vemos en el boceto, en las obras finales. Es verdad que ahora en el arte contemporáneo sí que podemos apreciar un poco más ese lenguaje, pero no es lo normal. Decidí que mi trabajo de fin de carrera fuese sobre el boceto como obra final.
Tras tus estudios abriste otras vías profesionales.
Después de terminar la carrera, es verdad que me fui a otro tipo de profesiones, siempre dentro del mundo creativo, pero más dentro del diseño, la publicidad, la dirección de arte en publicidad, porque también soy muy visual. Me gusta mucho todo lo que tiene que ver con la estética, con la belleza, con la tendencia del interiorismo o la arquitectura, todo ese universo, el cine, todo lo que es la imagen. Lo cierto es que era un poco más difícil buscar una salida en algo que tuviera relación con el dibujo y fue con el tiempo que empecé a hacer diferentes pruebas y empecé a hacer diferentes proyectos y entre ellos, pues surgió una serie de bordados que salían del dibujo y por eso fui como desarrollando el lenguaje que hago, hasta ahora.
¿Podríamos decir que dibujas con materiales textiles?
Sí, es lo que siento. En realidad, siempre parto de un dibujo con técnicas tradicionales; ya sea un lápiz, bolígrafo o cualquier otro material y luego me lo llevo al textil, pero el boceto que yo hago siempre suele ser dibujado a mano o en digital.
Lo que necesitaba era darle un volumen, una textura, unos matices al dibujo que en el papel no se podían transmitir. Esto tiene sus pros y sus contras porque el dibujo tiene un gesto y una naturalidad y una forma de equivocarte que en el textil que yo hago no es posible, porque todo tiene que ser mucho más cuidado. Tengo que ser mucho más cuidadosa porque se ensucia, se estropea… Entonces uno tiene la materia, ese volumen, esa textura que me parece que es una preciosidad y que capta mucho la atención.
¿Cuándo entras en el universo de las telas y tejidos?
Durante una temporada tuve un blog en el que hacía un montón de tutoriales y siempre buscaba diferentes técnicas, casi todas artesanales. Me gusta muchísimo aprender cosas diferentes y soy muy autodidacta. Por ejemplo, me sumergí en la cestería. Aprendía muchísimo y luego hacía una aplicación, que era lo que yo mostraba en el blog. Pero, en realidad, a mí lo que me motivaba era ese aprendizaje. Esa inmersión en una técnica y descubrir materiales y técnicas, y luego lo aplicaba.
Hace unos años, de repente, hubo un boom del dibujo figurativo pero que se empezó a aplicar en diferentes soportes: en tejidos para hacer estampados de camisetas, en bolsos, en joyería. Cuando lo vi me dije a mí misma que iba a aplicarlo. Empecé a hacer pruebas con estos dibujos y fusionándolos con técnicas textiles y de ahí de repente empezó a surgir un universo que empecé a sentir que necesitaba explorar más allá de una sola técnica para un fin concreto que era una publicación y entonces todo eso pues fue surgiendo.
Luego mi hermana regresó de un viaje a Perú y había visto un montón de alfombras y textiles y entonces decía que por qué no traíamos ese tipo de productos aquí y los comercializábamos y mi madre decía: “pero si tu hermana sabe hacer de todo, que se ponga ella a hacer cosas, que lo diseñe y ya vemos nosotros como lo sacamos”.
Empezamos con objeto decorativo, con cojines. Pero yo no estoy hecha para el ritmo de tienda, para la estacionalidad del “ahora navidades, ahora rebajas”… No es como yo funciono y además tampoco me gusta la producción. Cuando he hecho una cosa. Ya quiero pasar a la siguiente. Entonces hice un tapiz y llamó mucho la atención y a raíz de este nos surgió un encargo, que fue el primer hotel con el que trabajé. Y me dije: “vale. Hay cabida ahora mismo para este tipo de obras de arte.”
¿Dirías que tu estilo es una abstracción figurativa?
Creo que no. Creo que está en el medio. Es verdad que, a día de hoy hago mucho muchísimo más abstracto [en mis colecciones], pero todas ellas me llaman la atención y las necesito regar en distintos momentos del año.
¿Te preocupa de dónde vienen tus materias primas, priorizando lo local?
Siempre que he trabajado con materiales, he intentado que la calidad fuera lo que primara, más que la procedencia. Es verdad que desde hace unos meses empecé a trabajar dentro de un movimiento que se llama Alianza por la lana, que está intentando dar un impulso al “oro blanco español”, que es la lana, y entonces sí que es verdad que gracias a ese proyecto me estoy sumergiendo más en todo lo que es el origen, pues las últimas esculturas que estoy haciendo sí que provienen de un lavadero y de un proyecto que se llama Wool4life. Son ellos quienes se encargan de recoger la lana, lavarla, hilarla…
Es cierto que no lo aplico al 100% de mis obras porque trabajo de una forma un poco pictórica. Hay veces que es más importante la textura que ese material me da, el color o el brillo.
Las lanas que tengo a mi alrededor son españolas, pero a lo mejor no tienen ciertas texturas que yo ya he conocido y que quiero seguir utilizando. Entonces ahora mismo sí que lo estoy intentando aplicar y desde ahí me siento superagradecida por haber podido también ir conociéndolo, porque cuando conocemos algo podemos también tomar ciertas decisiones. Para las lanas, por ejemplo, voy a mis proveedores locales. Voy a comprar mucho en Madrid. Sé que hay algunas que fabrican en España, pero a lo mejor el hilo procede de otro sitio. Entonces todavía el seguimiento no es algo que haga 100% y tampoco sé si va a ser algo que prime, porque para mí es mucho más importante lo que logro que el pensar en la sostenibilidad al 100% y que esa sea todo mi discurso, aunque sí que intento que tenga parte de importancia dentro de mi obra.
¿Y qué importancia das a la intuición con respecto a la planificación para crear una obra?
Es lo que estoy echando más de menos porque este tipo de piezas no te permite trabajar desde la intuición. Tú no ves las proporciones como cuando estás dibujando. Entonces necesito hacer toda esa planificación previa. Aunque luego me fascina el resultado porque es verdad que en cuanto coge los brillos de los hilos o la textura de la lana al final la obra crece.
Tus obras escultóricas, nos invitan a ser tocadas.
Esto se llama “alto nivel de prestancia”, que te den muchas ganas de hacer algo, no de tocarlo o de olerlo. Y a mí me encanta que eso sea parte de la obra, es decir, que te den muchísimas ganas de tocarla (o de olerlas o saborearlas, según el caso y la disciplina.
¿Sueles colaborar alguna vez con otros creadores?
Por ahora es verdad que trabajo sola. Cuando hago proyectos de hotelería sí que tengo un equipo que me ayuda, incluida mi madre, que es mi mano derecha en todo lo que es producción, pero colaboración con otros artistas hasta la fecha no he hecho nada. A mí me encantaría, porque todo lo que son sinergias creo que son muy enriquecedoras.
¿Trabajas siempre a partir de un encargo?
Hay mucha gente a la que no le gusta trabajar bajo encargo y a mí me encanta porque es una forma también de salir de mi zona de confort, de ponerme al límite, de buscar diferentes soluciones a lo que hago cuando estoy haciendo obra personal. Entonces me parece muy enriquecedor.
¿Crees que tus obras están siempre focalizadas en buscar la belleza o una poesía visual o hay algún otro tema que quizá no se percibe de una manera inmediata?
En mis obras abstractas represento el movimiento de la vida. No es posible que nos quedemos estáticos. Avanzamos o retrocedemos porque todo lo demás avanza. Entonces para mí, la representación de mis obras suele ser sobre el movimiento sobre cómo nosotros conformamos nuestra identidad, por las decisiones que tomamos, por los caminos que elegimos, la gente que nos rodea.
Sobre la belleza, hace poco se lo escuché una galerista y me encantó. Para mí una obra tiene que tener varias patas. Una es el concepto. En este caso yo tengo ciertos conceptos que me gusta ir desarrollando y me gusta ir pues creciendo esas colecciones. Luego una parte estética. No tiene por qué ser una estética que guste a todo el mundo, pero que cuando la mire me dé poesía visual, belleza, me transmita algo. Ya puede ser calma, sosiego o que me quiero perder entre todo ese laberinto de hilos. Y finalmente, técnica, cómo está hecho lo que está hecho y que tenga un plus; ya sea en composición, ya sea en color, ya sea en que la técnica que esté utilizando puede ser más o menos complicada, pero que haya algo ahí. Entonces a mí, ese match de esos tres pilares me parece que son muy fundamentales. Entonces no es solamente belleza por belleza.
¿Cómo te ves tú en un futuro próximo?
Voy a responder más a cómo me gustaría a mí verme. Me gustaría seguir pudiendo crear, realizar obras que me conmuevan y que conmuevan a los demás. Que tengan un espacio y que la gente lo pueda apreciar y de técnica me sigo viendo en el textil. Creo que he encontrado aquí algo con un vínculo especial, pero también ahora mismo, ya siento que necesito incorporar algo más al textil. No sé muy bien qué, pues este año he estado trabajando un poco más lo volumétrico. Necesitaba salir un poco del plano y me he ido un poco hacia la parte más escultórica. Me gusta muchísimo ir jugando, experimentando, combinando. Es algo que a mí me mantiene viva. Es más, cuando hay algo que lo domino mucho, me aburro.
¿Próxima estación?
Acabo de entregar 68 obras seriadas para el Parador de Ibiza y para la próxima estación estoy trabajando en un par de obras que van a ir a dos hoteles. Uno en Madrid y otro en Valencia.
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