Glosario del Arte Contemporáneo

Abstracción
Si miras una obra y no hay ninguna figura reconocible, con conexiones evidentes con las cosas del mundo exterior, probablemente estés ante una obra abstracta. La abstracción surge a principios del siglo XX como oposición al realismo y la figuración. Se centra en la esencia de formas y conceptos. En sus composiciones suelen primar las estructuras, geometrías o colores. Vasily Kandinsky, Piet Mondrian o Kazimir Malévich fueron algunos de sus precursores. En la imagen 1 puedes ver un la foto de un lienzo abstracto de Georgia O’ Keeffe, considerada una de las figuras fundadoras del arte moderno en América. El próximo verano podremos ver en la Tate Modern una gran exposición monográfica sobre su obra. / Por Valeria Reyes

Ai Weiwei
(Beijing, 195) es uno de los artistas contemporáneos más relevantes. Muy conocido por su denuncia por la falta de libertades en China, estuvo bajo arresto domiciliario 81 días, acusado por “delitos económicos”. Y 600 sin poder abandonar el país. Estudió Pop Art, Arte Conceptual (y diseño, entre otras cosas) en EEUU, corrientes más influyentes en su obra, de gran y variado formato. 
El artista rompe moldes… y jarrones, como uno de la dinastía Han, de 2.000 años de antigüedad. Dicho acto quedó reflejado en una serie fotográfica. Y un pintor desconocido hizo eso mismo con otro de sus jarrones en el Pérez Art Museum de Miami, a modo de protesta, por la falta de artistas locales en el centro. Conocidas son también las Sunflower seeds (Pipas de girasol de cerámica pintadas a mano) con las que llenó la Tate Modern, o sus Circle of Animals / Zodiac Heads, esculturas con el zodiaco chino. / Por Ylenia Álvarez

Apropiacionismo
Tendencia artística propia de los siglos XX y XXI que consiste en apropiarse de elementos que no son artísticos e incorporarlos a una obra de arte (un trozo de papel de periódico pegado a un lienzo, por ejemplo). Con ello hay una voluntad de transgredir y de unir arte y vida. Apropiacionista fue el cubismo, los ready made y el arte povera, pero, como movimiento, se gesta a partir de los años 80 del siglo XX, en respuesta al minimal y al arte conceptual. Apropiacionista es, también, incorporar la obra de otros autores y recontextualizarla, o incorporar el lenguaje de la publicidad, algo muy en boga hoy en día sobre todo por el activismo artístico. / Por Ana Berruguete

Art brut
O arte marginal. Concepto creado por Jean Dubuffet para definir el arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica, en muchos casos enfermos mentales, delincuentes, visionarios, autodidactas y médiums. Está muy relacionado, por tanto, con el outsider art, y fueron muchos los artistas, como Paul Klee y Pablo Picasso, los que buscaron un arte espontáneo, no adulterado por el saber, en algunos momentos de su carrera. / Por Ylenia Álvarez 

Arte activista
De vocación crítica y que busca introducirse en conflictos específicos. Estos trabajos, en ocasiones, no son concebidos inicialmente como obra de arte sino como aportación social y protesta vinculada a una problemática concreta. Además, pueden realizarse de forma colectiva por un grupo de personas anónimas no necesariamente vinculadas al mundo del arte, de forma que el lenguaje artístico sirve como herramienta y forma de visibilizar dichos conflictos. / Por Ana García Alarcón 

Arte concreto
Tendencia artística, dentro de la pintura abstracta, que se remonta a los años 30 del siglo XX («Manifiesto de arte concreto» de Theo van Doesburg). Reivindica la libertad total de cualquier asociación con la realidad y promueve las líneas y los colores como valores concretos por sí mismos. Incorpora la matemática y la geometría pura al arte. Ejemplos: Kandinsky, uno de los precursores, o los ya “neocrentistas” brasileños, entre ellos, Hélio Oiticica. / Por Ana Berruguete

Arte de acción
Frente a la performance aparece el “arte de acción”, en el que lo que se busca es la implicación del público. Lo explica Yolanda Domínguez (Madrid, 1979, artista visual y activista): “Es salir al encuentro del espectador, no esperar a que venga. Es hacer que este sea creador. Es no dar las cosas por sentado sino cuestionar lo establecido. Es acercarse a la vida, crear experiencias. Es proponer relaciones entre personas, generar un diálogo. Es sorpresa, transformación, energía. Es público en lugar de privado, colectivo en lugar de individual. Es acercamiento y cotidianeidad. Es un lugar de encuentro”. / Por Bárbara Vidal 

Arte povera
Tal cual: el arte pobre, caracterizado por hacerse con elementos considerados pobres. Surgió en Italia en 1967 como respuesta al arte tradicional. Son obras objetuales (objetos) que tratan de exprimir la energía propia de esos materiales, sin más, y los eleva a obra de arte. La obra más célebre: Mierda de artista: latas en las que el artista Manzoni colocó sus excrementos. Toda una declaración de principios frente al establishment. / Por Ana Berruguete

Arte sonoro
Sin ser música, ¿no nos hechiza el sonido de las hojas de los árboles agitadas contra las ramas por un tempestuoso viento, o el traqueteo cadencioso del tren sobre los raíles? En palabras del célebre artista sonoro Llorenç Barber, “es un arte de confluencia practicado por muchos músicos experimentales y por muchos artistas plásticos que se sienten atraídos e involucrados por los resortes que mueven y la ductilidad del sonar”. Es, así, un arte interdisciplinar, relacionado con el arte conceptual, el minimalismo o el teatro experimental, en el que conviven elementos como la acústica, la electrónica, el noise o la tecnología. Entre sus impulsores y pioneros están Luigi Russolo, Max Neuhaus y John Cage. Cada día se renueva con nuevos nombres como Andrea Neumann, Bill Fontana, Nilo Gallego, Krapoola o Anna Raimondo. / Por Ylenia Álvarez

Artista
El artista Ciuco Gutierrez (Torrelavega, 1956) nos regala su manera de definir a un artista: “Hay un convenio no escrito en el que resulta obvio que un ARTISTA es aquella persona que hace ARTE. Pero si se profundiza en el término no queda claro quién es ARTISTA y quién no. Como hay muchas tipologías de artistas, voy a intentar definir algunas:
ARTISTA EMERGENTE: generalmente se adjudica la definición a artistas jóvenes que empiezan a asomar la cabeza en los circuitos artísticos. / ARTISTA CONTEMPORÁNEO: Aquella persona que hace cosas que parece que forman parte de los tiempos. / ARTISTA DE MERCADO: Se dice de los artistas que tienen muy bien pillado el gusto del momento y son bien acogidos por los mercados. / ARTISTA COMPROMETIDO: Aquél que intenta transformar la sociedad con su trabajo. / ARTISTA MALDITO: Persona a la que nadie hace caso y que cree que cuando se muera van a reivindicarle. / ARTISTA DE ARTISTAS: Muy respetado por los artistas y poco valorado por los mercados. / ARTISTA EJECUTIVO: Con el tiempo acaba creyendo que es artista, pero desde un principio lo único que le interesa es ganar dinero en un mercado en el que se mueve como pez en el agua. / ARTISTA: Persona que a través de su introspección genera ideas formales y estéticas con las que aspira a llegar al conocimiento y, por tanto a la transcendencia”. / Por Benjamín G. Rosado

Art Madrid
Feria de Arte Contemporáneo. Su 11ª edición se celebra del 24 al 28 de febrero en CentroCentro Cibeles. Cerca de 50 galerías de arte contemporáneo presentan sus propuestas en pintura, escultura, fotografía, performance o videoarte. / Por FB

Art U Ready
Mini feria de arquitectura, arte, interiorismo y diseño contemporáneo en tiendas y espacios de Chueca durante la semana del 22 al 28 de febrero. / Por FB

Ayudas Injuve para la Creación Joven
Tienes hasta el 27 de febrero para visitar en la Sala Amadís (José Ortega y Gasset, 71) la exposición comisariada por Virginia Torrente de los artistas visuales que fueron beneficiados con las Ayudas Injuve en 2014: Irene de Andrés, Julián Cruz, Eloy Domínguez Serén, José María Escalona, Espacio Cienfuegos, Raúl Hernández, Julia Llerena, Doa Oa, Gabriel Pericás, Javier Velázquez y Keke Vilabelda. Entrada gratuita. / Por FB

Basel
La feria de todas las ferias del arte contemporáneo. La más internacional, prestigiosa e influyente, en la que casi medio millar de galerías de arte de todo el mundo intentan hacer su agosto y mostrar lo más importante del momento. Se celebra desde 1970 en la ciudad de Basilea, Suiza, de donde toma su nombre, aunque ya cuenta con ferias hermanas como Art Basel Miami Beach y Art Basel Hong Kong. / Por Ana Berruguete

Bienal de Venecia
Cita obligada en el calendario del arte en la que cada país muestra en Venecia, cada dos años, a través de un pabellón, una representación de su arte contemporáneo. Siendo la exposición internacional más antigua y de las más prestigiosas, sigue manteniendo su relevancia como uno de los puntos de confluencia más importantes para las nuevas tendencias artísticas. / Por Ana Berruguete

Bizarro
(una definición “equivocada”): Un vasco con barbas, una chica con ropa retro-sexy, una frikada sin asideros, lo raro e inesperado, el propio desconcierto de lo que no está recogido en “la enciclopedia china” de El idioma analítico de John Wilkins o la mejor definición de un tiempo desquiciado, lo bizarro tiene, nadie lo va a dudar, rasgos “espléndidos” aunque nosotros lo usemos, obsesionados por lo anómalo y perverso, como un “calco semántico censurable”. En la Divina Comedia de Dante el “spirito bizarro” aparece como el rasgo de unos personajes iracundos que se dan mordiscos a sí mismos. Caeríamos en la impostura si pensáramos que nosotros podemos remover las regiones infernales (como quería Freud retornando a Virgilio: “Acheronta movebo”), cuando basta con intentar evitar el iceberg que nos aguarda como nuestro destino cierto. En el final de la utopía del arte la cantinela, como la orquesta del Titanic, sigue imponiendo su ley. Mejor eso que una canción de cuna o el estribillo de una de Mecano: “en una fiesta me colé”. Lo malo es que para esas letanías no hay sacacorchos. / Por Fernando de Castro

CA2M. Centro de Arte 2 de mayo
En él se expone, por capítulos, el arte de la colección que pertenece a todos los madrileños. Próximamente, además, tiene a la vista dos nuevas exposiciones temporales. Del 19 de febrero al 5 de junio podrás ver el proyecto “A veces decorado”, de la venezolana residente en Madrid Patricia Esquivias, basado en la arquitectura popular madrileña de mediados de los 50; y “La réplica infiel”, exposición colectiva que versa sobre el acto artístico y sus posibilidades (del 18 de marzo al 25 de septiembre). / Por FB 

Cartela
Pequeña pieza de cartón pluma, vinilo o material similar, que nos da algunas pistas sobre las piezas en exposición: autor, título, año y técnica. Muchos las leen incluso antes de mirar las propias obras. Últimamente se ha extendido la costumbre de presentarlas todas en un único DIN A4 junto al plano de la sala. Absténganse los desorientados de intentar entenderlo. / Por Luisa Espino

Casa Leibniz
Sus organizadores llaman a este proyecto “fábrica de tiempo”. Quieren que sus visitantes se dejen de atropellos y se dediquen a la contemplación sosegada del arte expuesto. Del 25 de febrero al 1 de marzo en el Palacio de Santa Bárbara, (Hortaleza, 87). / Por FB

Coca-Colanialismo
“Acción de dominación cultural articulada por mecanismos propagandísticos y de mercadotecnia que es ejercida por los países del viejo mundo y EE.UU sobre aquellos del nuevo mundo o periferia. Como resultado, la intelectualidad local define modelos de identidad que aspiran a replicar aquellos de los dominadores” / Definición aportada por Gregorio Cámara Castellanos, director de la feria JustMAD7

Cock (bar)
El lugar donde dejarse caer al acabar los largos días de feria (de arte). Con ya casi cien años entre pecho y espalda, por este local de aire inglés, vidrieras y cuadros de gallos por doquier, han pasado desde Dalí hasta los hermanos Coen. Si vas, coincidirás con galeristas, coleccionistas, artistas, escritores, actores y personajes de la farándula. (C/ Reina, 16. Madrid). / Por Luisa Espino

Comisario/a
«La figura del comisario o curador la solían personificar los conservadores de museo que realizaban el trabajo de investigación, conservación y exhibición de las colecciones de las galerías y museos de Europa. En la actualidad, la labor curatorial en el arte contemporáneo consiste en potenciar la investigación a partir de un campo más amplio, donde no solo la historia y el arte son tenidas en cuenta, sino que también se suman, por ejemplo, la sociología, la ciencia, la filosofía, la estética o los estudios postcoloniales y de género. La figura del curador hace posible entender nuevos procesos y nuevas miradas tanto de producciones artísticas del pasado como de las nuevas producciones actuales, convirtiéndose en muchos casos en un productor intelectual de ideas que junto a los artistas, seleccionan, diseñan y los acompañan en sus presentaciones públicas en museos y espacios expositivos. Este trabajo es posible a partir del diálogo e intercambio de ideas entre el curador y el artista tanto conceptuales, espaciales, de gestión, como también respecto a la mejor manera de comunicar la muestra y la producción del artista. En definitiva, el curador es la persona que resguarda las exposiciones y al artista –etimológicamente la palabra curador viene del latín curator, -oris, es decir: el que cuida- pero también el nexo entre el artista, la institución y el público para acercar su trabajo o sus propias investigaciones. / Por Agustín Pérez Rubio, comisario y director artístico del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires 

Colectivo artístico
Si, como decía Pablo Picasso, un artista es un «ser político que vive pendiente y consciente de todos los acontecimientos que ocurren en el mundo y reacciona ante ellos”, con lo que “la pintura no existe sólo para decorar las paredes de las casas, sino que es un arma que sirve para atacar al enemigo y defenderse de él», podría decirse que, en un colectivo artístico, la unión hace la fuerza. En un colectivo, tres no son multitud, sino el número mínimo de miembros que lo conforman, uniéndose con unos objetivos comunes, y a menudo gestionándose con una hucha común. Las obras se idean en equipo, experimentando con técnicas de creación conjunta, y se firman con el nombre que designa al grupo. Algunos ejemplos: Democracia, Todo por la práxis o Basurama. / Por Paloma F. Fidalgo

Conceptual (arte)
Tendencia desarrollada a partir de los años 60 que pretende que el arte supere las cuestiones formales y objetuales de la obra y se centre en la importancia del concepto, de la idea. Iniciado por artistas como Sol Le Witt o Ad Reinhardt, defiende que el arte debe ir más a la mente que a la mirada del espectador, y que no debe dar protagonismo a los procesos de fabricación, materiales o emociones del autor. Esto también supone superar la idea de arte como mercancía. / Por Valeria Reyes

Collage
Del francés coller, pegar. Técnica artística que consiste en ensamblar objetos diversos para darles un sentido unificado. Es el «recorta y pega» llevado al arte cuyo origen se atribuye a genios que se entretenían con cualquier cosa como Picasso o Braque.
 Para el artista Santiago Talavera (Albacete, 1979) “es una técnica artística moderna que no inventó Picasso sino unos aristócratas italianos que se aburrían mucho en el siglo XVIII, y siglos antes los chinos, que lo inventaron todo”. En su trabajo, el collage convive con otras técnicas en una “tensión constante porque cuando juntas diferentes partes, cada una viene con su propia naturaleza y se crean espacios de lucha con la superficie. A menudo me dicen que dan ganas de tocar mis dibujos y es lo que busco, que el espectador se haga un poco niño al mirar”. / Por BV 

Crítica de arte
El crítico de arte Fernando de Castro nos apunta “una divagación más que una definición” sobre la definición de la crítica: “Conviene recordar que Oscar Wilde sugería en El crítico como artista que en los mejores tiempos del arte no había críticos de arte dejando caer una cruda pregunta: “Pero hablando en serio… ¿de qué sirve la crítica de arte?”. Parece que los “poderes fácticos” de la época de la vaporización del arte, cuando el turbo-capitalismo ha revelado que todo lo sólido, por citar anacrónicamente a Marx, se disuelve en el aire, ha decretado que la crítica es una retórica de la que se puede, sin quebrantos psicológicos severos, prescindir. Efectivamente, la crítica es una forma petulante de la escritura que no aporta nada a lo que de verdad importan: la comercialización de los productos que exponen las galerías y que son vertiginosamente arrojados a las ferias, ni siquiera en la hoguera de las vanidades de la bienalización pintan nada los sabihondos que tomaron la manía de citar compulsivamente a pensadores post-estructuralistas herméticos por naturaleza. Pero puede que en el momento en el que la crítica se ha vuelto “impotente”, esto es, cuando el discurso no tiene que ver con el “interés económico” del arte, tiene una tarea esencial que cumplir: decir lo que piensa. Tal vez sea exagerado decir, como hace Wilde, que el futuro pertenece a la crítica pero lo no falta razón cuando indica que “en ningún tiempo la crítica ha sido más necesaria que ahora”. El verdadero valor de la crítica de arte (caracterizada ya desde Baudelaire como “parcial, apasionada y política”) será, me atrevo a simplificar la cosa, pensar a la intemperie, cuestionar el status quo, combatir las imposturas y evitar camuflar la impotencia con el cinismo. Esa posición de independencia no tiene precio.” / Por Fernando de Castro

Cubo blanco
Espacio “aislado del mundo” en un blanco neutral y sin ornamento, que permite mostrar una obra de arte sin “contaminación” externa. Este criterio lo siguen la mayor parte de espacios expositivos de arte contemporáneo. En ese “cubo blanco”, definido en cuatro ensayos por Brian O’Doherty entre 1976 y 1981, nuestra mente entra en un contexto expositivo, predispuesta a encontrarse con aquello que llamamos arte. En el caso del videoarte podemos referirnos a una “caja negra”. / Por FB

Cultura libre
Las licencias libres, como Creative Commons o Copy Left, aplicadas a la creación de obras artísticas se enmarcan dentro de la filosofía de la Cultura Libre y nace en respuesta a la hegemonía del Copy Right impuesto por la industria cultural. Estas facilitan un uso más social y libre sobre el derecho de la propiedad intelectual y permiten el acceso de la obra para los usuarios bajo criterios menos restrictivos que. La editorial Traficantes de Sueños y los escritores Belén Gopegui y Juan Gómez Jurado, la plataforma musical Jamendo; los músicos Nacho Vegas y Canteca de Macao o el Festival de Cine de Creative Commons son manifestaciones de Cultura Libre gracias al uso de licencias libres. / Por Mónica Cuende

CPR (Curatorial Program for Research)
Bajo estas siglas que suenan a hospital encontramos un programa de investigación destinado a la movilidad de comisarios por las distintas escenas artísticas del mundo. Madrid está entre ellas, junto a Buenos Aires, Helsinki, México DF y muchas otras. www.curatorialprogram.org / Por Luisa Espino

Damian Hirst
Archiconocido y polémico artista, principalmente por mostrar animales en formol convertidos en obras de arte. El más famoso, su tiburón tigre. Formó parte del grupo llamado Young British Artists (jóvenes artistas británicos o YBAs) y desde muy pronto acaparó la atención de los medios. Actualmente es también un empresario y coleccionista de arte, además del artista vivo más rico del Reino Unido. / Por Ana Berruguete

Diálogo
(entre las obras de una exposición). Cuando nos referimos a que dos obras de arte dialogan muy bien significa que tienen puntos en común, que armonizan estética o conceptualmente. / Término sugerido por la comisaria Nerea Ubieto

Discurso
El discurso de un artista es el mensaje que transmite su trabajo y que no siempre suele coincidir con lo que el público entiende al contemplarlo. El discurso se alimenta de ideas, contexto social, ideología política, emociones y, en el mejor de los casos, una profunda investigación del tema elegido. La comisaria Nerea Ubieto (Zaragoza, 1984) nos aclara que “es la línea general de pensamiento del artista, las ideas en torno a las que trabaja y reflexiona. Hablamos de un discurso claro y marcado cuando las ideas que hay detrás son coherentes con la manera de hacer del artista». Pone como ejemplo un nombre fetiche, la artista Raisa Maudit: “tiene un discurso comprometido, franco, atrevido, sin tapujos, ecléctico en la temática, pero siempre crítico y muy punky”. / Por Bárbara Vidal

Efímero
Arte llamado a la no permanencia. Fugaz, pasajero. Y en su desaparecer encuentra también su sentido. Suelen ser obras fabricadas con materiales perecederos, pero también engloba aquellas manifestaciones como el happening, la performance, el environment art, el body-art y el land-art. Incluso, el grafiti, lo sería. / Por Ana Berruguete

Electrónico / New Media
Este arte auna todas las obras creadas con medios digitales, ya sean videoarte, realidad virtual, net art, digitalización, etc. Lo que Frank Popper llamó “los medios de la era electrónica” han derivado en diversas prácticas que están cambiando la relación entre la obra y el espectador; de la materialidad de las artes plásticas se pasa a la inmaterialidad de las artes digitales, de la “estética de la aparición” (construir algo) a la “estética de la desaparición” (percibir algo). Jeffrey Shaw o Stelarc fueron pioneros en la década de los 80 en trabajar con formas interactivas y computerizadas. / VR

Environment Art
En castellano, «arte ecológico» o «ambiental». Nace como un movimiento que considera a la naturaleza no solo como fuente de inspiración o generadora de materiales, sino como factor activo del proceso creativo, es decir, estudia cómo intervienen los organismos, como plantas o seres humanos, en sus ambientes y en las transformaciones que provocan sus energías. A su vez es una disciplina que suele conllevar por parte del artista una relación crítica, social e incluso política con el entorno paisajístico, creando conciencia sobre la protección del medio ambiente y realizando obras sostenibles. / Por Valeria Reyes

“Eso lo sabe hacer un niño de cuatro años”
Expresión en castellano frecuentemente utilizada cuando un espectador se enfrenta a una obra de arte abstracto o arte conceptual. Debido a la ausencia de figuras reales y al uso de técnicas y procesos aparentemente sencillos, tendemos a infravalorar aquellas obras que requieren otro tipo de lectura o de comprensión, distintas a las que tendríamos que hacer con una obra realista. Básicamente, acabamos pensando que eso lo puede hacer cualquier persona, también los niños pequeños. Un poquito más mayores, de entre diez y doce años son los cien niños de colegios de la Comunidad de Madrid que han colaborado en la exposición pedagógica “Sin Título. La Colección Telefónica como nunca se ha visto”. Ellos han ejercido de comisarios, seleccionando las setenta obras expuestas. Están firmadas por artistas como Magritte, Picasso, Chillida o Tàpies, entre otros y “convivirán con las visiones de los niños en forma de murales, reinterpretaciones de títulos y nuevos planteamientos espaciales para las obras exhibidas”. Espacio Fundación Telefónica. Hasta el 24 de abril. / Por Valeria Reyes (Véase abstracción) 

Feminista (arte)
Nace en la década de los 60 como herramienta para visibilizar a la mujer en la historia del arte, para reivindicar nuevas interpretaciones y una mayor presencia femenina en todos los estratos del trabajo artístico. No es solo arte hecho por mujeres, es arte pensado desde una nueva perspectiva de género, abordando cuestiones hasta entonces no tratadas como la maternidad o la masturbación. Lucy R. Lippard, Linda Nochlin, Judy Chicago, Mary Kelly o colectivos como Women Artist in Revolution (WAR) o Guerrila Girls, son algunos referentes de este movimiento. / Por VR

Feria ARCOmadrid
Feria de carácter internacional que convierte a Madrid en capital del arte por unos días. Hablar de “Arco” es hacerlo de vanguardias históricas, de arte emergente y actual, de arte moderno y contemporáneo. También de coleccionismo y mercado del arte. Organizada por Ifema, cumple 35 años y celebra una revisión de lo mejor de su trayectoria a través de 35 galerías. Una especie de viaje al pasado con la presencia de nuevas generaciones de artistas. Este año, además, sale por primera vez de sus fronteras con ARCOLisboa, aunque en Madridno contará con un país invitado para poner de relieve sus 35 años. / Por Ylenia Álvarez

Fotografía pirotécnica
Término jocoso que usan los del blog Cienojetes.com para referirse a un tipo de fotografía que usa muchos trucajes. / Por FB

Fotolibro
Es la fotografía hecha libro (que no es lo mismo que un libro de fotografía). El fotolibro funciona en sí mismo como obra de arte ya que el artista concibe su proyecto fotográfico en ese formato. Es una disciplina en plena ebullición: de lo más cool del momento. Madrid cuenta desde 2013 con su Fiebre del Fotolibro, un festival dedicado a él creado por el colectivo y escuela Blank Paper. / Por Ana Berruguete

Galerista
Es uno de los actores fundamentales del mercado del arte (y de la propia creación artística) y que sirve de enlace entre el artista y el coleccionista. Para Chema de Francisco, director de la Feria Estampa y gran difusor del coleccionismo, un galerista, debe cumplir tres condiciones infalibles para alcanzar el éxito: “ser una persona culta, atenta a la actualidad del sector, que sepa generar un discurso interesante, con capacidad de convicción y una cierta seducción”; que sea una persona “socialmente muy activa”, ya que es una profesión que condiciona toda su vida personal y familiar; y que sepa “llevar una empresa, y que le guste vender”. / Por FB

Galería puntocom
Además de las galerías tradicionales. Que las tenemos muy buenas y abundantes, han aparecido nuevas fórmulas de venta gracias a internet, especialmente para proyectos con menos recursos económicos que, al menos en un principio, no pueden permitirse un local físico en el que asentarse. Algún ejemplo: plasticmurs.com; pomogallery.com; aterlierdesjeunes.com; guntergallery.com, etc. / Por FB

Generación
Según el diccionario de la RAE, “conjunto de personas que, habiendo nacido en fechas próximas y recibido educación e influjos culturales y sociales semejantes, adoptan una actitud en cierto modo común en el ámbito del pensamiento o de la creación”. Si la “Generación Y”, también conocida como “Peter Pan” o de los millenials, es la que abarca los nacidos hasta el año 2000, y a los nacidos a partir de entonces ya se les engloba, en la Z, mucho nos tememos que los de la próxima generación van empezar a tener matrícula de dos letras. / Por FB

Generaciones (proyecto)
El premio de creación joven que todo artista que se precie desea tener en su CV porque cuenta con el mayor presupuesto de producción de su categoría y una exposición en La Casa Encendida (del 5 de febrero al 10 de abril). / Por Luisa Espino

Gentrificación
Como afirma el proyecto del colectivo Left Hand Rotation, “Gentrificación no es un nombre de señora”. Es un proceso de transformación de las ciudades que propicia una revalorización de los barrios y, a su vez, tiene como consecuencia que muchas familias que los habitan se vean obligadas a moverse a otros más baratos. El artista DosJotas plantea un proyecto en Espacio Trapézio en el que emplea el término como una marca comercial y nos invita a reflexionar sobre el barrio de Chueca y el Mercado de San Antón, escenario donde se encuentra la exposición. / Por AGA

Giclée / Gyclee
El grabado sigue siendo guay, pero ahora también puedes compras un giclée, una reproducción digital elaborada con impresora de chorro de tinta; en edición limitada y numerada, eso sí. Y todos, tan contentos. / Por FB

Happening
Acción artística que parte de la provocación-participación-improvisación y es algo inesperado dentro de lo cotidiano. Tiene su base en una suma de artistas, aunque muchos apuntan a Allan Kaprow, discípulo de John Cage, como su iniciador. Su obra 18 Happenings in 6 parts, que incluía actividades que requerían del espectador, marcó su comienzo y se extendió por Europa y Estados Unidos. Se trataba de un conjunto de elementos combinados y se realizó al mismo tiempo en tres espacios y seis partes sucesivas. Así, la estructura del happening es abierta, aunque puede hacerse un plan o psicograma. Muchos tienen lugar en espacios fuera del circuito artístico. / Por Ylenia Álvarez

Historia
“Para mí el concepto de historia tiene que ver directamente con lo narrativo y, por lo tanto, con el relato de un suceso. Tanto las referencias al pasado como el uso de un lenguaje narrativo son dos características esenciales en mi trabajo. Entiendo la historia no como un relato cerrado, sino como algo vivo y mutable. Y es este aspecto de la historia lo que realmente me interesa, la capacidad de transformación del relato del pasado (próximo o lejano) en algo inexacto, parcial y excluyente. Lejos de la naturaleza irrefutable de lo exacto la historia es para mí un conocimiento impreciso y por lo tanto tremendamente sugerente”. / Por Kepa Garraza

Inéditos
Uno de los primeros premios de comisariado joven que existieron en nuestro país. Incluye honorarios, un presupuesto generoso para hacer una exposición en La Casa Encendida y la publicación del proyecto. Se puede participar hasta los 35 años. / Por Luisa Espino

Instalación
Obra conceptual, por lo general transitable a pie para el espectador, en la que las condiciones ambientales que la rodean y el espacio en que se integra, son parte esencial de ella. (Véase «No me llega») / Por FB

Intervención
Unos creen en Dios, otros, en el skate y ahora, los segundos, también tienen un templo. ¿El culpable? El artista urbano Okuda, que, obsesionado por cambiar de escenarios, formatos y superficies, ha traslado sus colores a una antigua iglesia situada en Llanera, Asturias. El pasado 13 de octubre, Okuda e Ink and Movement, se propusieron financiar su proyecto a través de un proceso de crowdfunding. ¿El resultado? 24.000 euros en menos de un mes. “Siempre consigo lo que me propongo, así que no dudé mucho acerca de la recaudación. Querer es poder”, nos comenta Okuda.
 Siete días le bastaron al artista para completar la «misión» y llenar los frescos, bóvedas y vidrieras de sus míticos planos de color y su icónica rosa de los vientos Kaos Star. Y sin boceto que valga. “Iba pintando a medida que iba sintiendo lo que debía de hacer en cada pared, en cada bóveda… como siguiendo un guión inexistente”, explica el artista.
El resultado es impresionante. Ambos le han cogido el gusto a los templos: su próxima parada será el 1 de marzo en otra iglesia abandonada, ésta vez, en Marrakech. / Por Patricia Muñoz

IVA del arte
A los que estén planeando hacerse con alguna obra este año les conviene tener una calculadora a mano para aclararse con el tema del IVA. Muy a pesar de los galeristas españoles, que no cejan en su empeño de que nuestro IVA cultural se iguale al de otros países europeos, sus quejas, por el momento, han caído en saco roto. En las ventas de las galerías se aplica un 21%, en las de los artistas un 10% y por último existe una fórmula intermedia que permite combinar ambas opciones siempre que el artista facture como tal y que el cliente no necesite que el IVA aparezca desglosado. / Por Luisa Espino

JustMAD
Feria de arte emergente. Por segundo año consecutivo se celebra en LA SEDE del COAM, aunque también se llevan a cabo acciones y eventos en múltiples espacios colaboradores. Del 23 al 28 de febrero.

Kitsch
Objeto asociado al mal gusto y a la cursilería. Referido al arte, son obras que buscan un efectismo ligado a las emociones, a los recuerdos y a lo reconocible. Pueden rozar el espanto y a la vez resultar entrañables. A medio camino entre lo hortera y lo familiar. Desde muñecas de porcelana y de peluche, a flamencas, postales de puestas de sol y pueblecitos con sus “toques” tradicionales, caballos salvajes galopando… Algunos críticos lo han relacionado con un arte de masas e, incluso, con una especie de antítesis del propio arte. (Véase Jeff Koons) / Por Ana García Alarcón

Land Art
Nace a finales de los años 60. Se realiza con materiales procedentes de la naturaleza, como piedras, tierra o troncos de los árboles. Supone el abandono del taller por el uso de espacios abiertos y un cambio en la forma de percibir la obra por parte del espectador. Robert Smithson o Walter De Maria fueron pioneros del mismo. / Por Valeria Reyes

Mecenazgo
El crowdfunding, o ese micromecenazgo con el que los particulares aportan pequeñas cantidades de dinero a proyectos, está de moda en el sector de la cultura. Y eso le sirve a este para reclamar con más fuerza que nunca una ley de mecenazgo, que incentive la financiación privada. Dice José Antonio Marina en Los cauces de la generosidad. Ensayos histórico-críticos de los fundamentos del mecenazgo que en España nos faltan ganas y cultura de mecenazgo, y aunque los mecenas no deben, por definición, esperar nada a cambio de su dinero (a diferencia de los patrocinadores), en España no tenemos atractivas desgravaciones fiscales para la inversión en cultura, como ocurre en Francia o Estados Unidos. Los cuatro partidos políticos que han liderado los resultados electorales contemplan la creación de una ley o sistema de mecenazgo. Veremos. / Por Paloma F. Fidalgo

Manifiesto
El manifiesto artístico tiene su origen en época de vanguardias en los primeros años del Siglo XX. Se planteaba como texto y como declaración de intenciones de colectivos de artistas que proponían unas formas e ideas en torno a su trabajo. El manifiesto hoy es una herramienta de reclamo y, desde el mundo del arte, se materializa en escritos, panfletos o acciones. / Por Ana García Alarcón

«No me llega»
Tratamos aquí, más que nada, de aclarar un concepto a un señor. Me contaba una amiga que, contemplando la obra del artista Danh Vo (Bà Ria, Vietnam, 1975) en el Palacio de Cristal del Retiro (edificio levantado en 1887 con motivo de la Exposición de las Islas Filipinas y que cogestionan el Museo Reina Sofía y el Ayuntamiento de Madrid), escuchó, de forma furtiva, una conversación en la que un hombre le espetaba a su acompañante, sobre lo que acababa de contemplar: “¡A mí, es que la performance no me llega!”. En realidad, esta obra es una instalación que mezcla en esa “gran vitrina”, paleontología, arqueología y arte sacro. Vo ha querido trasladar el montaje pensado para un cubo blanco al palacio con el fin de que la arquitectura del espacio influya en la percepción de su obra. / Por FB

Nouveau Duchampianismo
“Se trata de la estética predominante en el arte de finales del siglo XX y comienzos del XXI. Deriva del estilo conceptual que creó el artista francés Marcel Duchamp, pero con dos diferencias esenciales respecto a aquel: las ideas y el trabajo son la mitad de buenas, y sin embargo, diez veces más caras”. La expresión la ha escogido para nuestro glosario Will Gompertz, controvertido crítico y director de arte de la BBC, que en su libro Pensar como un artista (Taurus, 2015), ofrece otra idea rompedora: que todos somos artistas. O, mejor dicho, que todos podemos serlo si nos empeñamos sin miedo al fracaso, que para el autor no existe en esto de intentar robustecer la creatividad, cosa que requiere tiempo y entusiasmo. Los más avanzados en la técnica consiguen revolucionar el mundo del arte, y hasta la sociedad: Caravaggio, Piero della Francesca o Rembrandt entre los clásicos, y Marina Abramovic, Ai Weiwei o Gilbert & George entre los contemporáneos. Para Gompertz, Internet puede impulsar nuestra inspiración, y agradece que, en el siglo XXI, la imaginación esté cada vez mejor valorada. / Por Paloma F. Fidalgo

Objeto encontrado
Objet trouvé, en francés o found art en inglés, es una técnica del surrealismo con origen en el collage dadaísta consistente en usar objetos cotidianos para crear una obra de arte con un nuevo significado. Los artistas dotan a estos objetos de capacidad poética y suelen elegir elementos misteriosos, expresivos, con huellas de vidas pasadas y con valor estético o simbólico. Cuando una obra se compone de varios objetos encontrados se denomina ensamblaje artístico o assemblage. / Por Valeria Reyes

Pet friendly
¡Mascotas, bienvenidas! La Casa Encendida será pionera al dejar entrar a los animales de compañía a partir de la inauguración de la exposición “Animalista” (del 12 de mayo al 12 de junio). Forma parte de un proyecto de concienciación “para hacer visibles los derechos de los animales desde la óptica de la creación artística”. También forman parte de la iniciativa, cuyo director es el historiador de arte y gestor cultural Rafael Doctor, el Museo Reina Sofía, Calcografía Nacional, Matadero Madrid y Museo Lázaro Galdiano, entre otras instituciones. Junto a la exposición se llevará a cabo el “I Congreso de Pensamiento y Acción Animalista Capital Animal”. Como preámbulo, en Lázaro Galdiano expone en febrero Santiago Ydáñez «Las cenizas del ruiseñor». / Por FB

Performance
Disciplina artística entroncada con las artes escénicas más vanguardistas en la que se combinan danza, música, teatro o vídeo. Al habla,una de las pioneras del género en España, Nieves Correa, directora de AcciónMAD! (del 24 de febrero al 18 de mayo): “La performance es un proceso de comunicación – relación en base fundamentalmente al CUERPO que sucede en un ESPACIO ESPACIO y en un CONTEXTO y en un TIEMPO concreto y natural. Como proceso relacional, la performance se adentra en territorios que van más allá de la representación y la narración, y en este sentido está más cerca de las artes visuales y de la música que de las artes escénicas. Los códigos de este proceso de comunicación están en constante redefinición y son tan diversos como los individuos que la practican. El CUERPO es el elemento fundamental, tanto en su estado de presencia, única o múltiple, como de ausencia. El cuerpo se manifiesta como elemento visual y sonoro pero también como una herramienta que se somete a un trabajo, a un esfuerzo o incluso una transformación o a un sufrimiento”. / Por BárbaraVidal

Posmodernidad
La posmodernidad es un movimiento artístico que se inicia en los años 80 y representa una apertura a nuevas propuestas. Hal Foster nos habla de un momento de “ruptura con el modelo agotado del arte moderno que se centraba en aspectos formalistas”. Aunque Marcel Duchamp con sus ready-made se anticipaba a estas concepciones del arte, es durante este periodo cuando comienza un arte renovador y nuevas formas de entender el arte contemporáneo. / Por Ana García Alarcón

Político (arte)
Busca cuestionar realidades de nuestro entorno. No responde a un arte oficial, y es un arte que se genera de forma libre, que invita al espectador a reflexionar sobre problemáticas concretas ligadas a aspectos políticos, sociales, económicos y/o culturales. En ocasiones puede confundirse con arte de propaganda. / Por AGA

Propaganda (arte de)
Arte que sirve para ensalzar o perpetuar la condición y las bases que quiere transmitir un determinado partido político o un Estado. El arte propagandístico adquiere un matiz político pero es un arte al servicio de dicha estructura de poder. / Por AGA

Provocación
Véase Damian Hirst.

Público / Espectador
El arte del siglo XX y del siglo XXI (me remontaría incluso a finales del XIX), exige un público que va más allá de la mera contemplación. Un público aprendido, reflexivo, pero también, capaz de alejarse de nuestro conservadurismo mental y visual, y de dejarse sorprender. Público-espectador-participante, con una posición mucho más activa y comprometida hacia al arte y que trata de construir su propio espíritu crítico. / Por Ana Berruguete

Ready made
Término empleado por Marcel Duchamp en 1915 para referirse a obras de arte realizadas a partir de objetos industriales de producción en masa. Comparte con el objeto encontrado la voluntad que tienen de repensar nuevos significados artísticos para elementos cotidianos, y les separa la subjetividad que busca el objeto encontrado frente a la indiferencia visual del ready made. La fuente de Duchamp fue el punto de partida: colocar un urinario en un museo para lanzar la pregunta de qué es el arte y poner en evidencia que el arte moderno pese a su trascendencia no escapa a la rueda consumista. / Por Valeria Reyes

Realismo-figuración
El realismo en el arte es la disciplina por la cual se representa algo lo más parecido posible a la realidad, intentando apelar a la objetividad. No hay que confundirlo con el realismo, movimiento francés de mediados del siglo XIX que tiene a Gustave Courbet como máximo exponente. Este movimiento nace como oposición al idealismo romántico de los academicistas y busca representar a las clases trabajadoras, escenas cotidianas, denuncias y críticas contra la sociedad burguesa. En la segunda mitad del siglo XX surge, además, el realismo figurativo, tendencia pictórica cercana al realismo fotográfico o hiperrealismo.
El Museo Thyssen-Bornemisza expone noventa obras, rindiendo un homenaje a un grupo histórico de pintores y escultores realistas que han vivido y trabajado en Madrid desde la década de 1950: Francisco López, Isabel Quintanilla, Julio López, María Moreno, Esperanza Parada, Amalia Avia y Antonio López. Hasta el 26 de mayo. / Por Valeria Reyes

Rizomático
Un rizoma es un tallo subterráneo con varias yemas que crecen en horizontal y pueden brotar desde cualquier punto. Gilles Deleuze y Félix Guattari lo trasladaron al pensamiento y la filosofía. Un modelo de organización rizomático elimina cualquier jerarquía vertical. / Por FB

Residencia
La forma de vida de los nuevos artistas y comisarios nómadas. Un lugar donde vivir y trabajar por un tiempo determinado. Una solución a la dificultad para muchos de encontrar estudio y una buena fórmula de conocer y darse a conocer en otros escenarios. En Madrid acaba de arrancar la nueva entrega de El Ranchito en Matadero y La Casa Velázquez abre ahora su convocatoria. Están surgiendo también otras iniciativas privadas más discretas como la de Atelier Solar, un espacio de trabajo compartido promovido por el artista Daniel Silvo, que invita periódicamente a un creador de fuera a vivir y trabajar junto a los participantes habituales del taller. Por último, fuera de Madrid existen modelos muy distintos, desde la Academia de España en Roma a Tabakalera Donostia, pasando por iniciativas auto-gestionadas como Línea de Costa en Cádiz o La Fragua en Córdoba. Se trata de una nueva manera de hacer en la que la convivencia, el intercambio de experiencias y la relación con lo local, son piezas fundamentales. / Por Luisa Espino

Room Art Fair
RAF5 se celebrará durante la Semana del Arte de Madrid, del 26 al 28 de febrero en el Hotel Petit Palace Santa Barbara. / Por FB

Screen Dance
Danza concebida, tanto coreográficamente como narrativamente para ser contemplada a través de una pantalla. Podrás ver un buen ejemplo, de Milk&Honey, en la feria de arte JustMAD, del 23 al 29 de febrero en La Sede del COAM. / Por FB

Se busca comisario
Un comisario joven es elegido cada año para llevar a cabo un proyecto expositivo de seis meses de duración que desarrolla en dos partes en la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid (Avda. América, 13). El ganador de la VII edición, Martim Dias, ha titulado Cuestionamiento a “un diálogo entre artistas madrileños y portugueses en torno a dos grandes asuntos: territorio y sociedad”.

Site specific
(en castellano, “proyecto específico”). El glosario de términos de la página web de la Tate Gallery define la expresión como “Obra de arte diseñada específicamente para un lugar concreto y que tiene una interrelación con esta ubicación”. En Madrid podemos ver habitualmente este tipo de intervenciones en el espacio AbiertoxObras de Matadero Madrid que se ha transformado, por ejemplo, literalmente en un Agujero Negro, con la intervención de Björn Dahlem en 2014. Actualmente, y hasta el 31 de julio, contiene la obra (SELFI), proyecto creado por Darya von Berner y comisariado por Carlota Álvarez Basso. / Por Bárbara Vidal

Statement
Texto del artista que recoge su línea de trabajo y sirve a modo de declaración de intenciones mostrando sus intereses y líneas de acción vinculadas a su obra. El statement no es necesariamente un manifiesto, sino algo personal vinculado a la forma de producción de determinado creador. / Por AGA

Tate Modern
La Tate Modern de Londres es el museo que acoge la colección de arte contemporáneo más visitada del mundo. Se inauguró en el año 2000 en la antigua central de energía Bankside, que fue rehabilitada por el estudio de arquitectos Herzog & de Meuron. Este año 2016 viene con dos novedades: la apertura de la New Tate Modern (17 de junio), también de los mismos arquitectos y proyectada para acoger una mayor variedad de colecciones, y la incorporación de la que será la primera mujer directora, Frances Morris. La dirección de esta galería estuvo entre 2003 y 2010 a cargo del español Vicente Todolí, tiempo en el que dio forma a la colección propia y realizó exposiciones de Kandinsky, Dalí o Man Ray. / Por VR

Trampantojo
La gastronomía ha puesto de moda el término, importándolo del mundo del arte, conservando parte de su significado, la idea de generar una “trampa” que engañe o al menos despiste al espectador. Fueron maestros de ella Tiziano, Tintoretto, Velázquez (hay varios ejemplos suyos en el Prado) o Domenico Remps, sobre todo con su Scarabattolo. El colectivo Boa Mistura ha hecho varias de sus coloristas instalaciones con el trampantojo como base. / Por Paloma F. Fidalgo

Treintaicinco
Según el BOE, edad a partir de la cual un artista deja de ser joven. / Por FB

Vernáculo
Durante las últimas décadas hemos asistido a una paulatina conquista por parte de la cultura popular de las esferas que anteriormente se consideraban territorio exclusivo del arte. Creo que podemos decir que hoy en día esa conquista se ha consumado y extendido, aupada por la aparición de las tecnologías digitales y, sobre todo, por la extensión masiva de los medios de producción y difusión de imágenes. Desde la comercialización a gran escala de las Kodak Brownie a principios del siglo pasado, las imágenes amateur o populares han supuesto la inmensa mayoría de la producción total de imágenes, pero no gozaban de un hueco en las salas de exposiciones ni en los libros de historia. Si acaso, tímidamente, los artistas se valían en ocasiones de sus rasgos estéticos para incorporarlos a su propio discurso de élite. Hoy, por fin, ese 99% ha asaltado todos los espacios de la imagen, desde el museo hasta Instagram, para imponer el hasta ahora olvidado discurso de la multitud. Hoy son ellos -nosotros-, los amateurs, los que dictan la estética mainstream de nuestro tiempo y es el arte el que le sigue exhausto a rebufo. Lo vernáculo es el triunfo de lo popular frente al academicismo. Es el triunfo del lenguaje de la gente. Daniel Mayrit, artista visual, reciente ganador del premio Paris Photo / Aperture Photobook Award. / Por FB

Videoarte
Así de sencillo: el arte en vídeo. Se remonta a los años sesenta y setenta del siglo XX, aunque aún mantiene su vigencia. Son obras creadas específicamente creadas creadas para este medio o canal. Nam June Paik y Wolf Vostell fueron sus pioneros. Les siguieron los trabajos de Valie Export, Bill Viola o Douglas Gordon. Algunos buenos emplos de la actualidad: Shirin Neshat, Glenda León o la española Cristina Lucas. / Por Ana Berruguete

Vivir del arte
“Es lo que a uno le ocurre, a veces, mientras vive exclusivamente para el arte”, nos comenta Javier Gomá, filósofo y director de la Fundación Juan March. / Por Paloma F. Fidalgo